黄昏のシネマハウス

Smoke ～ ウソもマコトもそれなりに（2017/2/28）

1995年に公開され、たった１館でのささやかな上映のはずだったのに、思いもよらないロングランとなり、9万人もの動員を記録した伝説の映画です。
およそ20年ぶりにデジタルリマスターで再上映されました。


ニューヨーク・ブルックリンのしがないタバコ屋に集まる人々の小さな物語。
ウソとホント、過去と現在が入り混じった、ぼんやりとした逸話の数々・・・
まるでタバコのSmokeのように、曖昧でつかみどころのないところにこそ真実はあるのだと云わんばかりです。

14年間も同じ場所で同じ時間に一枚の写真を撮り続けている、街角の小さなタバコ店主オーギー・レン。
数年前に強盗の流れ弾で妻を亡くして以来スランプを抜け出せない、常連客の作家ポール・ベンジャミン。
強盗の落とした大金をくすねて追われる身となり、ふとした縁で知り合ったポールを頼る少年ラシード。


その3人を軸に、ラシードの生き別れになっている父サイラスとか、オーギーを裏切った元カノのルビーなど、どこか風変りだけど憎めない人物たちが絡んで、ユーモラスで切ないエピソードが展開していきます。

ただ、それらのエピソードはそれぞれの人物が語るだけで、実際に何かがそこで起こるわけではありません。
坦々とした会話劇が日常の風景として描かれるだけです。
見る人によっては退屈極まりない作品だと思います。
アンクルも何カ所か眠ってしまって、見逃してしまったシーンがあるほどです。
正直に白状すると途中チョッと苦痛でした。


しかし、ラストのクライマックスでオーギ―が話す「目の見えない老婆とのクリスマス」の話が秀逸です。
O・ヘンリーの名作『賢者の贈り物』をしのぐ珠玉のクリスマス・エピソードと云っても云い過ぎではありません。
しかもそのまま、その話をモノクロームの無言劇に仕立てたエンドロールになだれ込んで行きます。
バックに流れるトム・ウェイツの歌声がさらに気分を盛り上げます。
このラストシーンのためにだけ、この映画を見ることをおススメしても許されるくらい・・・
もう途中なんかどうでもいい気分にさせられました。

主役のオーギー・レンを演じるハーヴェイ・カイテルの渋さがサイコー・・・



何となく退屈に思える作品なのですが、見終わってしばらくするとまた見たくなってしまう・・・

とても不思議な作品です。

沈黙 / サイレンス ～ 神は慈悲なり（2017/2/19）

遠藤周作の小説をアカデミー受賞監督マーティン・スコセッシが28年の歳月をかけて映画化した力作。
危険を顧みず日本へとやって来たイエズス会宣教師の目を通し、信仰とは？信念とは？さらに人間の弱さとは？と問い詰めた骨太な作品です。


時は17世紀、キリスト教が禁じられた日本で棄教したと噂される恩師フェレイラの行方を確かめるため、仲間と共に日本に潜入した若き宣教師のロドリゴ。
厳しい弾圧を受ける切支丹たちのパードレ(司教)を求める声に、残された唯一のパードレとなってもなお応えようと試みるのですが・・・
幕府代官はロドリゴが棄教せねば村人たちが苦しむだけと、ロドリゴ本人ではなく、罪なき村人たちを見せしめに拷問し次から次へと惨殺します。
自分も村人たちもこのように苦しんでいるのに、なぜ神は黙ったままなのか？と天に祈りつつ・・・
さらに再会した恩師も転び伴天連となっていた事実に驚愕し、苦悩するロドリゴ。



アンクルの敬愛するスウェーデンの映画作家イングマール・ベルイマンと同様に、人々の苦しみになぜ神は沈黙し続けるのか？との問いかけがテーマです。

ロドリゴは激しい苦悩と葛藤の末ついに「踏み絵」に足をかけ棄教に至ります。
キリスト教徒として超えてはならないとされた一線を超え、すべてを捨て去ります。
それよりほかに村人たちを救う手立てがなかったのです。

ロドリゴは拷問される村人たちを前に「踏み絵」を迫られた一瞬、そこに描かれたイエス・キリストの声を聞きます。

(踏み絵を)踏みなさい。
私を踏みつけることを恐れることはない。
神は沈黙しておられるのではない。
あなたたちと同じように苦しんでおられるのだ。
だからその苦しみを分かつために私を遣わされたのです。


新約聖書には、イエスはゲッセマネの最後の晩餐の席上、自分を裏切る者のあることを予言したうえで、その者を赦し、その者のために祈りを捧げたと記されています。
ロドリゴにはその時のイエスのまなざしが垣間見えたのかも知れません。

彼は、転び伴天連、裏切り者の汚名をあえて着てまでも、罪なき村人たちを助けようとしたのです。
その選択は決して背教者の裏切りではなく、むしろ聖職者として本来の在り方ではなかったか？とアンクルは自問自答しました。

その先には、人間の愚かさ弱さを厳しく糾弾するのではなく、すべての人々の苦しみを背負い、己を踏みつける者をさえ認め赦す、慈悲の心を体現した『神』の姿があったはずです。
新約聖書に云う『神は愛である』姿そのもの・・・
そして、まるで慈母観音のごとくです。
おそらく日本人としてのキリスト教徒たるアイデンティティを模索し続けたであろう遠藤周作が、欧米に一般的な「罰する」神の概念に馴染めず、「慈悲」に日本的な神の概念を見つけようしたのではないか？と考えさせられました。
なぜか『亡己利他（己を忘れて他を利する）』という、伝教大師の説く慈悲の教えにも通ずる何かをそこに感じました。


アンクルも若いころとても苦しんだことがあって、聖書を貪るように読み耽った時期があります。
しかし、どうしてもキリスト教徒にはなれませんでした。
その後、ふとしたことから比叡山を知り、結局20年以上もの間仏道の修養に通うことになります。
仏の教えに自らの救いの糸口を見つけたからだと思います。

そんなことがふと頭をかすめました・・・

アルジェの戦い ～ 誰も支配できない（2017/1/25）

アルジェリアの10年にも渡るフランスからの独立戦争を描いた戦争映画の記念碑的名作。


1954年から62年にかけてフランスの支配下にあったアルジェリアで起こった独立戦争。
その全貌を描き、1966年のベネチア国際映画祭で金獅子賞を受賞した作品です。
目撃者や当事者の証言、残された記録文書をもとに、ドキュメンタリータッチのリアルな映像で戦争の実体に迫ります。
首都アルジェのカスバでオールロケを敢行、5年の歳月を費やして製作されました。
イタリア映画ですが、フランスからは「反仏映画」と反発されたいわくつきの作品でもあります。



戦後、世界に衝撃を与えたイタリアン・ネオ・レアリズモの流れを汲む作品だと感じました。
モノクロの映像がまるでニュース映画を見ているかのような緊迫感を醸し出します。

フランスが不快感を示したようですが、フランスとアルジェリアのどちらにも偏らない視点で描かれているように見えました。
もちろんフランスの情け容赦のない弾圧の実態も余すことなく捉えられますが、決して非難する描かれ方ではなく、同様に対抗するFLN（アルジェリア民族解放戦線）の、女性を利用して普通の市民まで巻き込むテロの様子も克明に描かれ、それもヒロイックにではなく事実として淡々と積み重ねられた印象です。


むしろどちらに非があるかではなく、戦争というものの本質が理由はどうあれ、暴力的で非人間的であることを浮かび上がらせる描き方と見た方が正しいのではないだろうかと思いました。

FLNは現在にも通じるようなテロをくり返しますが、宗主国フランスの更なる報復を生み、結局壊滅させられてしまいます。
ところがその2年後、突如としてアルジェリア民衆の蜂起が始まり、やがてフランスはアルジェリアから手を引かざるを得ないところまで追いつめられてしまいます。
FLNの幹部が「独立闘争を戦うときテロは初めは有効だが決してほめられた手段ではない。それを契機に民衆が自ら目覚め立ちあがった時にこそ勝利は叶うものだ。」と話すシーンがありますが、まさしくそれが現実になったのです。

争っている当事者から見れば相手の攻撃はおそらく理不尽なテロと映ることでしょう。
しかし相手もまた同じように感じているはずです。
テロというのはつまりは相互の「戦争状態」を意味するのだと思います。
それを一方的な単なる犯罪と矮小化してしまっては、情勢を大きく見誤ることになると思います。


フランスに限らずかつて先進国は、アジアやアフリカに覇権を求め、植民地政策を推し進めて来ました。
他所の国に土足で踏み込んで、そこへ勝手に自分たちの租界をつくり、現地の人たちを「ネズミ」「土人」などと呼んで蔑む。
普通の市民が現地であたりまえのように行って来たことです。

そうした過去を踏まえて頻発するテロ行為を考えないと、解決の糸口は見出せないでしょう。
昨今、先進国が次々と右傾化してレイシズムに根ざした閉鎖主義に傾いているようですが、それが問題を解決する有効な手段になるとは到底考えられません。

問題の根底には、自分たちのかつてのふるまいが影を落としているのだという視点を忘れずに持ち続けないと、事態を更に悪化させるだけだという危惧を感じます。

ジェーン ～ 女ならどうする？（2016/11/18）

珍しく女性を主役に据えたウエスタン。
『レオン』で殺し屋と共に行動する少女を演じていたナタリー・ポートマンが製作と主演を務めています。
題名から『シェーン』の女性版かと勘ちがいしそうですが、原題は『Jane Got A Gun』。
むしろ『アニーよ銃をとれ（Annie Get Your Gun）』を意識しているようです。
南北戦争後の荒野を舞台に、夫と娘を守り、平穏な日常を取り戻すために戦う決意を固めるヒロインの物語です。


アメリカ西部の荒野で夫ハムと娘の三人で平穏な日々を過ごしていたジェーン。
しかしある日、悪名高きビショップ一家の首領ビショップにハムが撃たれ瀕死の状態となり、穏やかな暮らしが一変する。
強欲で執念深いビショップの恐ろしさを知るジェーンは、家族を守るために、南北戦争のときに活躍したかつての恋人ダンにすがる思いで助けを求める。
敵が迫りくる中、それぞれの過去の真実が明らかになり・・・
ジェーンは愛のために戦うことを決意し、銃を手に取る。（Movie Walker より）

ハッキリ云って、もうひとつの作品でした。
女性が中心の西部劇ということでフェミニズムの観点から期待したのですが、何てことなし。
男の代わりに闘うぞ！ってだけ。
だからお話全体がとても弱い印象です。

アンクルの記憶にある女性中心の西部劇としてはニコラス・レイ監督、ジョーン・クロフォードの『大砂塵』・・・
ペギー・リーの歌ったテーマ曲「ジョニー・ギター」が有名な作品です。
行き場のない男女の愛の世界にスポットを当てた、西部劇としては異色の視点を持った作品でした。

さらにはコーエン兄弟の『トゥルー・グリット』・・・
ここでは女性の復讐劇になぞらえながら、いったんコトを起こせばそこには責任が発生し、たとえどのような結果になろうとも、それを受け入れる覚悟が女性であろうと男性であろうと必要なのだと迫る力が圧巻でした。

残念ながら、そうした骨太の筋の通った一貫性がこの作品には感じられませんでした。
女性中心の甘ったるいラブ・ストーリーならいざ知らず、西部劇という命のやりとりを伴い生死を分けるドラマに、女性ならどう切り込むかという視点があまりに乏しかった。



男の代わりに城に籠って戦うなんて、受け身というか、発想があまりに貧困過ぎて・・・

もっとしなやかに柔らかくぶっ飛んで欲しいと思いました。

I Saw The Light（アイ・ソー・ザ・ライト）～ ハンク・ウイリアムス伝（2016/10/22）

アメリカでは伝説のカントリー・シンガー＜ハンク・ウイリアムス＞の伝記映画。
日本ではそんなにポピュラーとはいえない存在ですが、「ジャンバラヤ」が彼の作品だと知ればナルホドと思う人は多いかも・・・
ほかにも「偽りの心」「ヘイ･グッドルッキン」「泣きたいほどの淋しさ」など、残された作品の多くが誰もが一度は耳にしたことのある名曲ばかりです。


貧しい少年時代に黒人の路上生活者からギターを習ったと伝わり、そのせいか彼の歌にはカントリーでありながらブルースの影響が色濃く感じられます。
白人と黒人の音楽の一体化・・・
エルヴィス・プレスリーのロカビリーの先駆けを感じさせます。
ハンク･ウイリアムスが「ロックの父」と呼ばれる所以でしょう。

ただ、映画としてみたらそんなにいい作品とは思えませんでした。
巷で語られている彼の経歴を、ただ単に時系列で追っただけの印象しか感じられなかったからです。
I saw the light（光が見えた）とあえて歌う彼の抱えていた暗闇とは一体何だったのか？
そこにもっと踏み込んでほしかった気がします。
この映画の描き方だと、ただの女好きで酒に身をもち崩したダメな男の話にしか見えなかったけれど・・・


デビューしてからたった6年の間しかなかったのに、彼のつくる歌は第2次大戦後の人々の疲れた心を励まし大きな支持を得ました。
反面、子供のころからの脊椎の病気に悩まされ、心のすれ違いから結婚離婚を繰り返し、アルコールに溺れ、問題行動を起こしては歌う仕事から何度も干されそうになってしまいます。
そして、何とかクビのつながった仕事でツアーに向かう車中・・・
アルコールと鎮痛剤の危険な飲み合わせが原因で、29歳の若さでこの世を去ってしまいます。

天才と呼ばれた多くの人たちに共通する破滅型の傾向を、彼もまた強く持っていたようです。
普通の人間には思いもつかない行動で自らを破滅に追い込んでしまう・・・



ラスト近く、新聞記者のインタビューを渋々受けながら、吐き捨てるようにこんなセリフを語るシーンがあります。

「誰もが闇を抱えて生きている。
　やりきれない怒り、悲しみ、後悔・・・
　ボクがすべて歌にするよ。
　そうすれば皆が辛いことを忘れられるだろ？
　辛さは全部引き受ける。」


彼はきっと多くの人たちに希望を与える才能と使命を神から与えられ、同時にそれを全うさせる苦しみもまた背負わされたのだと思います。
だからこそ、こう歌わねばならなかった彼の心情が哀れです。

Praise the Lord！ I saw the light.

（主よ！あなたを称えます！私には光が見えたのです！）・・・

或る終焉 ～ 訪れる死とは？（2016/9/21）

終末期患者のケアにあたる看護師の男・・・
その献身的な仕事ぶりが巻き起こす周囲との軋轢、自身の拭いきれない過去と家族の崩壊、それらを抱え苦悩する彼の孤独な日々・・・
監督はメキシコの新鋭、ミシェル・フランコ・・・
第68回カンヌ国際映画祭で脚本賞を受賞しました。
静かに深く死を見つめたその物語と、それを打ち砕く衝撃的な結末が強い印象を残します。


主人公の看護師は、病気で思いのままにならなくなった終末期患者の生活と精神を補助するために、信じられないほど献身的な介護を施します。
それには家族よりも密接に接する必要があるし、患者のプライバシーにまで入り込まなければなりません。
家族から患者の最後のようすについて説明を求められることもあるし、かと思えば患者とのあまりの親密さを警戒され、セクハラだとその後の関わりを拒否されることもあります。
そんな彼のオフの時間は、まるでクールダウンするかのように、ただひたすらエクササイズに励み、走ることに没頭するだけの孤独な毎日・・・

なぜ彼はそんな過酷な状況に身を置こうとするのか？・・・
はっきりと示されるわけではありませんが、その理由が少しずつ姿を見せ始めます。
どうやら彼は、もう助からない自分の息子の安楽死に手を貸して、それがために家族とも疎遠になったようだと暗示されます。
終末期患者の在宅ケアという、それでなくてもハードな仕事に全身全霊を傾けようとするのは、その贖罪のためなのだということも・・・


それなのに、彼はふとしたきっかけから末期がん女性の看護を請け負うことになります。
彼女は治療の継続を拒み、彼の過去のいきさつを承知したうえで、だからこそ彼を雇います。
運命はさらに彼を追い込み、同じ罪を再び背負わせようと迫ります。
そして彼はついに重い決断を下すことになります。

死は誰にでも訪れ、我々は自らの終焉を迎えます。
死のあり方はそれぞれに異なり、我々ひとりひとりが自分だけの終焉を迎えます。
自分の意思やこの世のあらゆる価値基準などそこでは何の意味も持たず、我々はただその瞬間に向き合うしかないのです。



そして驚愕のラストシーン。
観客に媚びるカタルシスや、センチメンタルなきれいごとの人生観などバッサリと切り捨て・・・
主人公の人生をいとも簡単に断ち切ってしまう幕切れです。

でもこれが真実・・・
死とは生との突然の断絶。
手を尽くしたはずと云ったところで、そんなことお構いなしに・・・

考える暇（いとま）さえ与えられず訪れるものなのだと痛感しました。

殺されたミンジュ ～ 暴力は必ず権力となる（2016/9/6）

『嘆きのピエタ』などの問題作を世に送り出してきた韓国の鬼才、キム・ギドク監督。
アンクルが今もっとも注目する映画作家のひとりです。
その彼がメガホンを取った衝撃作・・・
強烈な映像の狭間に、現代社会への辛辣なメッセージが見え隠れします。


ソウル市内の市場を必死に逃げ惑う女子高生、彼女を追う屈強な男たち。
女子高生は次第に追い詰められ、路地の片隅で顔にテープを巻かれ無残に殺された。
彼女の名はミンジュ。
しかしその事件は誰にも知られることなく闇から闇に葬りさられ、何事もなかったように月日は過ぎた。
ミンジュは何故殺されたのか、それを問う人もいない。
ところが事件から１年たった頃、ミンジュの死の真相を執拗に追いかける謎の集団が不気味に動き始める。
ミンジュ殺害に関わったのは7人の男たち。
謎の集団は、そのうちの一人を誘拐して、拷問を加え「去年の5月9日を覚えているか、その日何をした・・・」と執拗に問いただす。
恐怖と自責の念に襲われた容疑者は、全面的に自白して許しを請うのだった。
謎の集団は一人、また一人、下位の者からその上司へと容疑者を誘拐して、拷問を加え自白を強要する。
(公式HPより)


暴力と官能に満ちたキム･ギドク独特の美意識が展開されます。
ミンジュを殺した容疑者たちは全体主義的性向を持つ組織のメンバーらしい。
上意下達のそのヒエラルキーの、下から上へと謎の集団の拉致が進んでいきます。
関わる謎の集団「シャドゥズ」（と呼ぶらしい）のメンバーもまた、それぞれ社会の中で何らかの不遇に甘んじている存在だということが明らかになっていきます。
そして彼らそれぞれの人生に重くのしかかる存在の人物を、実はいちばん最初に拷問を受ける男（つまり組織のいちばん末端の男）を演じた俳優が一人8役で演じるのです。
全く関係ない人物の設定なのですが、見ている方としては支配するものされるものが、らせん階段のように捻じれて繋がるような錯覚に陥ります。
そこに韓国社会の矛盾に対して放つ、ギドク監督の痛烈な寓話性を感じました。

拉致された容疑者たちは一様に「責任者は誰か？」と威嚇します。
しかしその威嚇が無視され拷問が始まると、手のひらを返したように赦しを懇願し、「自分は指示に従っただけ」と弁解します。
全体主義的な社会では責任の所在は曖昧で、その行動に確固たる理念も意志も存在しないことが露呈します。


一方、そのような人間性を蹂躙するあり方を正そうと立ち上がったはずの「シャドウズ」も、エスカレートする拷問について行けなくなるメンバーが続出、少しずつ分裂の傾向を深めてゆきます。

拷問とは暴力・・・
暴力はヒトに痛みを与えます。
ヒトは痛みに耐えられない。
そうしてヒトが暴力に屈すると、暴力がヒトを支配するようになる。
すなわち暴力は必ず支配権力に陥るのです。
それは支配者であろうと被支配者であろうと、勝者であろうと敗者であろうと、強者であろうと弱者であろうと全く関係ありません。
暴力を手段として選んだそのときから、どういう理由であれそれは権力へと変貌してしまうのです。



殺された少女「ミンジュ」の名を漢字で書けば「民主」・・・
民主主義はすでに殺されたというギドク監督の批判がここに込められています。

そしてそこに伺えるのは、理念も意思も持たず、中身のない自らの優位性を保とうといたずらに敵をつくり上げ、自分たちだけが正しいと思いあがった偏狭な世界に固執し、隙あらば暴力を頼みにしようというゆがんだ願望です。

それは決して韓国社会にとどまらず、この国にも次第にはびこりつつある昨今の空気そのものです。

シェーン ～ 流れ者の美学（2016/8/26）

不朽の名作のデジタルリマスター版を劇場で見ました。
西部劇屈指の名作＜シェーン＞です。

原作はジャック・シェーファーの小説。
確か高校2年生のとき、夏休みの英語の宿題で原書を読まされた記憶が・・・


お話しはお馴染み、なおかつとてもシンプル。
南北戦争終結後のワイオミング、フラリと現れたさすらいのガンマン、シェーン・・・
ふとしたことから開拓民一家に請われいっしょに働くも、先住牧場主ライカー一派の横暴を見かねて、皆に迷惑をかけぬようたったひとりで立ち向かい、見事討ち果たし去って行く。

流れ者に安住の地はなしとする、日本の股旅時代劇やヤクザ映画とも共通する美学が貫かれます。
しかもそれだけに留まらず、開拓民との友情、その妻のシェーンへの複雑な想い、そして彼らの息子ジョーイのシェーンに対する憧憬の念など、繊細なホームドラマとしての一面も兼ねそなえています。
それらがワイオミングの美しい情景の中に詩情豊かに謳いあげられます。

終始少年ジョーイの目線から描かれるのが、この作品を名作にした大きなポイントだと思いました。
殺伐になりがちなストーリーを美しく感じさせたのはそのおかげだと思います。



先住した牧場主があとから入植した開拓民を迫害する構造は ” ジョンソン群戦争 ” をモチーフにしていると感じました。
マイケル・チミノ監督が『天国の門』で真正面から取り上げましたが、公開するや否や異様とも思えるバッシングを浴びせられすぐさま公開中止、映画会社ユナイティッド･アーティスツを倒産に追い込む騒ぎとなりました。
その歴史的事実はアメリカ国民にとって触れられたくない恥部なのだと思います。
表向きは自由と平等を標榜してはいますが、その実、本当のアメリカが持つダークなもうひとつの顔が垣間見えます。

監督のジョージ･スチーヴンスはそのあたりも暗に含め、銃撃音を異常なほど大きく録音したりして、たとえ如何なる理由であろうと暴力は絶体悪であることを、さりげなく主張しているように感じました。

その理不尽な暴力の象徴ともいうべき殺し屋ウイルソンを演じるジャック･パランス・・・
黒ずくめで不穏な空気を漂わせ、血も涙もない冷血漢の雰囲気を見事に体現する名演です。
ラストの決斗シーンでシェーンとの一瞬の早撃ち競争に敗れ、観客にカタルシスをもたらす重要な役割も果たしました。


ヴィクター･ヤングの名曲「遥かなる山の呼び声」のメロディにのって、少年ジョーイが叫ぶラストシーン・・・

SHANE Come Back ！・・・

イヤというほど見たのに、それでもやっぱり胸に迫って来ます・・・

キングスマン ～ 常識やぶりの面白さ (2016/5/23)

「キック・アス」のマシュー・ボーン監督が、「英国王のスピーチ」でアカデミー賞を受賞したコリン・ファース主演で描くスパイ・アクション。
2014年公開の旧作ですが、評判のよかった過去の作品を再上映する京都シネマ名画リレーで見ました。



ロンドンのサヴィル・ロウにある高級スーツ店＜キングスマン＞・・・
その実体は、どこの国にも属さない世界最強のスパイ機関。
ブリティッシュスーツを華麗に着こなす紳士ハリーも実はそのエージェント。
ある日、メンバーのひとりが何者かに殺され、その代わりに新人をスカウトすることに。
ハリーは、かつて命を助けられた恩人の息子で、ひそかに成長を見守っていた若者エグジーを候補生に抜擢する。
一方そのころ、科学者の失踪事件が相次ぎ、人類の存亡に関わる巨大な陰謀が企てられていることが判明。
どうやら富豪のIT実業家ヴァレンタインが、その首謀者らしいとわかって来た。


いやぁ、久しぶりに手に汗握るスパイ映画に出会った！って感じです。
とにかくここしばらく経験したことのない面白さでした。

荒唐無稽だけど、現代性を盛り込み、息もつかせずに進んで行く先の読めないストーリー。
特に、主人公ハリーがクライマックスに至るまでに死んでしまうという、常識ではありえない展開。
それでも、何の違和咸もなく怒涛のクライマックスになだれ込んでいくのがスゴイ。


スタイリッシュな映像、エレガントかつ意外性に富んだ小道具の数々、ウイットに富んだセンスの良い会話。
初期のころの『007』を彷彿としました。
実際よく似たシーンもたびたび登場します。


さらに、次から次へとくり出されるアクロバティックなアクション・シーンが超過激。
スプラッタームービーと見まごうばかりの暴力シーンもいっぱいあるのだけど、残酷さをほとんど感じさせない仕掛けになっています。
エルガーの『威風堂々』のメロデイーに乗って、コンピュータ操作でチップを埋めこまれた金持ちたちの頭がポンポンと爆発するシーンは、まるで乱舞する花火のようで美しくさえありました。
ちょっとブラックユーモアっぽくはありますが・・・

往年のスパイ映画に捧げられたオマージュがちりばめられ、伝説となった石井輝雄のオカルトを思い出させるなど、映画ファンには楽しみどころ満載・・・

しかしそんなことを知らなくても、始めからお終いまで目いっぱい楽しませてくれる充実の129分間であることまちがいなしです。

レヴェナント：蘇えりし者 ～ 復讐するは我にあらず (2016/5/16)

クマに襲われ瀕死の重傷を負いながらも、不屈の生還を果たした伝説の猟師を、自然光のみで撮影した臨場感あふれる映像で描き上げ、主演のレオナルド・ディカプリオが主演男優賞、アレハンドロ・G・イニャリトゥ監督が監督賞、エマニュエル・ルベツキが撮影賞と、アカデミー三部門でオスカーを手にした話題作です。
音楽は坂本龍一・・・



開拓時代のアメリカ西部の原野・・・
猟師のグラスは狩猟の最中にクマに襲われ瀕死の重傷を負うが、同行していた仲間のフィッツジェラルドに極寒の中生きたまま埋められ置き去りにされてしまう。
しかも、それを止めようとした最愛の息子まで目の前で殺される。
かろうじて死の淵から生還したグラスは、フィッツジェラルドに対する激しい復讐心だけを支えに、大自然の猛威に晒されながらも過酷な道のりを歩み進んでいく。


何度も候補になりながら、手の届かなかった悲願のアカデミー主演男優賞に輝いたレオナルド･ディカプリオが、迫真の演技を見せます。
あの、船の舳先で女性の腰に手をまわしニヤけていたレオさまとは別人のようです。

一見、復讐のドラマのように見えますが、実はそれをバネにしたサバイバルのドラマという色彩が濃いと思いました。
次から次へと絶体絶命のピンチに見舞われるのに、けっしてあきらめることなく生き延びようとする人間の力強さに圧倒されます。


はじめ、字幕に日本語と英語が入るのでいぶかしく思ったのですが、ネイティヴのコトバで話しているのだと分かります。
彼の家族は、彼以外みんなネイティヴなのです。
それがこのドラマ全体の展開のカギを握っていると思いました。

過酷な状況を乗り越える度に、自然と対立しても生き延びることは出来ず、共生して行くしかないことを、彼はネイティヴの知恵に学び少しずつその悟りを得ていきます。


そしてラストのクライマックスで、いよいよ憎きフィッツジェラルドと対峙するとき、優位に立ったにもかかわらず、彼はそこで勝負を投げ捨てます。
復讐するは我にあらずと、神にそれを委ねるのです。

それは彼が、自分が生かされて来たのは復讐のためではなく、その背後にあった息子や妻を愛する心にこそ支えられていたのだと、気づいたからです。

アジアの世界観にもつながる、ネイティヴのおおらかな心を会得したからこそ！と感じました。